LOS LARGOS DÍAS DE LA VENGANZA

Los largos días de la venganza (I lunghi giorni della vendetta)
1967
España/Italia/Francia
Director: Florestano Vancini
Reparto: Giuliano Gemma, Francisco Rabal, Gabriella Giorgelli, Conrado San Martín, Franco Cobianchi, Nieves Navarro, Manuel Muñiz, Teodoro Corrà, Milo Quesada, Giovanni Ivan Scratuglia, Pedro Basauri 'Pedrucho', Omán de Bengala, Carlos Hurtado, Carlos Otero, Jesús Puche, Juan Antonio Rubio, Bill Farbert, Moises Rocha, Oman de Bengala
Guión: Mahnahen Velasco, Fernando Di Leo
Fotografía: Francisco Marín
Música: Armando Trovaioli

SINOPSIS: Ted Barnett, injustamente condenado a treinta años de cárcel por el asesinato de su padre, se escapa de la prisión en la que llevaba confinado los últimos tres años. A partir de ese momento tratará de averiguar quién estuvo detrás del complot y las razones del mismo.

Coproducción hispano-franco-italiana de 1967 en la que intervino un puñado de ilustres nombres tanto del spaghetti como fuera de él. Así estuvo dirigida por Florestano Vancini, aquí Stan Vance, un director de prestigio cuya implicación en este tipo de proyecto, al igual que la de otros como por ejemplo Damiano Damiani con la ya comentada en este blog “Yo soy la revolución”, muestra la gran popularidad alcanzada por este subgénero; puesto que Vancini fue un realizador ajeno a este género que se centró en films de corte histórico con una fuerte carga política como “La larga noche del 43” sobre la resistencia italiana contra el fascismo que obtuvo el premio a la mejor opera prima en el Festival de Venecia; “Las estaciones de nuestro amor” sobre la crisis sentimental y política de un periodista de izquierdas o “El caso Matteoti” sobre el asesinato del diputado socialista.


Junto a él, en la producción nos encontramos con el tándem responsable entre otros de “Una pistola para Ringo”, “El retorno de Ringo” y “Los profesionales del oro” (todas ellas con sus respectivas reseñas) Alberto Plugiese-Luciano Ercoli. Este último, también realizador, dirigió en la década de los setenta a su esposa Nieves Navarro en varios aceptables giallos (“Días de angustia”, “La muerte camina con tacón alto” y “La muerte acaricia a medianoche”). Mientras que en el guión intervinieron Augusto Caminito, responsable de los originales libretos, para ser spaghettis, de “Los profesionales del oro” (adaptación al universo del spaghetti de la gran novela de B. Traven “El tesoro de sierra Madre”) y “El último pistolero” (también comentada en este blog) y Fernando di Leo, con numerosísimos euro westerns en su haber además de haber sido el creador del seudónimo para Nieves Navarro de Susan Scott, que en esta ocasión aparece pluriempleado como ayudante de dirección. Y a ellos hay que añadir profesionales de la talla de Wolfgang Burman en la decoración y a Giuliano Gemma, una de las grandes estrellas de este subgénero, como protagonista. Por lo que el resultado en principio no debería ser malo.

Y la película creo que efectivamente responde a las expectativas creadas ya que se trata de una libre, interesante y vibrante adaptación de “El Conde de Montecristo” (un género que tenía como uno de sus temas principales la venganza es lógico que se fijara en una de las grandes novelas decimonónicas que desarrollaba dicho tema) en la que los guionistas pusieron el énfasis en desarrollar una historia oscura, sobre todo en la primera parte, en detrimento de la acción mecánica (quizás para algunos aficionados la primera hora sea demasiado lenta) en la que el protagonista irá conociendo y matando a los individuos que en su día le traicionaron. Además perfectamente entrelazada a esta trama principal se desarrollará otra con la venta de armas a un bandido-revolucionario mejicano que se denomina general por parte de los individuos que conspiraron contra el protagonista, por lo que tangencialmente el filme se relaciona con los Zapata westerns.

Pero lo que más me ha llamado la atención es lo bien filmado que está el largometraje por Vancini, director que parece ser fue escogido como sustituto de Duccio Tessari al no poder éste comprometerse en el último momento, apreciándose su preocupación por la composición de las escenas. Así disfrutaremos con escenas magníficamente planificadas, como el gran final, desde que Barret es conducido al cadalso hasta el espléndido tiroteo estupendamente rodado, o aquella, por poner un ejemplo, en la que vemos en un solo plano entrar a Cobb en un local acristalado y desplazarse hasta el fondo donde le aguarda una caja fuerte para después de conversar con el juez y el sheriff verle, desde el interior y también en un solo plano, salir del local y alejarse a caballo fuera del pueblo con sus muchachos que le estaban esperando; junto a otras de una gran tensión dramática (la famosa escena de la barbería) y algunas rodadas de una forma original (el enfrentamiento entre los hombres de Cobb y los del revolucionario mejicano se intuye, más que se ve, a través de una panorámica, conociendo posteriormente el resultado del mismo por los cadáveres que nos muestra en la siguiente escena). Lástima que este nivel de acierto no se dé en toda la película y ruede también alguna escena bastante chusca, como una pelea bufa en una cantina que no sólo rompe el ritmo de la película sino que choca con el tono sombrío del film y no aporta nada al largometraje, salvo el lucimiento acrobático del protagonista.

Para redondear el spaghetti nos encontramos con una buena banda sonora obra de Armando Trovaioli, aunque también se atribuye a Ennio Morricone, que cuenta con un extraordinario tema principal con protagonismo de guitarras y trompetas. Lástima que no sea lo suficientemente variada.


Por lo que respecta a los actores, a Giuliano Gemma, convertido ya en uno de los grandes iconos de este subgénero gracias al éxito obtenido con los dos Ringos, la recientemente comentada “Un dólar agujereado” y “Arizona Colt”, que también cuenta con su correspondiente reseña, se le ve muy cómodo en el papel de Ted Barnett el típico falso culpable. Un personaje que, además, le permitirá evolucionar a lo largo del film, ya que mientras al principio se mostrará como un ser vengativo, a medida que avanza la película irá creciendo en él la idea de hacer justicia. En este sentido creo que se debe entender el enfrentamiento final entre Ted y Cobb en el que la estrella de sheriff, símbolo de la ley y el orden, cobra una importancia fundamental. Junto a él, y como un rasgo de cierta originalidad para ser un spaghetti, nos encontramos con dos personajes femeninos que no se limitan a ser elementos pasivos en la historia. Así Gabriella Giorgelli, a la que he podido ver en “La bestia” y “Los cuatro de Fort Apache” (ambos filmes también cuentan con sus oportunos comentarios), da vida a Dulcie un personaje fuerte en la línea de los protagonizados por mujeres en las películas de Howard Hawks; mientras que la habitual en los spaghettis Nieves Navarro, aquí Susan Scott, encarna a Dolly, la típica mujer fatal del cine negro que todavía enamorada de Barnett, jugará un papel decisivo para probar su inocencia, consiguiendo al final redimirse. Además contamos con dos malos de gran categoría: Francisco Rabal, en una de sus escasas apariciones en este subgénero, en el papel del pérfido sheriff Douglas casado con Dolly, y Conrado San Martín como Cobb, un megalómano magnate, llega a pronunciar la frase “El estado soy yo”, traficante de armas y cerebro de la operación que llevó a la cárcel a Barnett. Junto a ellos, en un papel cómico que no me terminó de gustar, Manuel Muñiz Pajarito da vida al doctor Pajarito, el típico charlatán y, junto a Dulcie, uno de los escasos apoyos con lo que contará Barnett en su afán por descubrir la verdad.

Como anécdota señalaros que, en un guiño a la película “Una pistola para Ringo”, inicialmente el largometraje se iba a titular “Angel Face”.

Por último comentaros que un año antes, aunque por lo que he consultado se estrenó con posterioridad a ésta, los hermanos Balcázar (Jaime Jesús en la dirección y Alfonso en la producción) que habían “prestado” su Esplugues City para la realización de este largometraje, pusieron en pie “Cuatro dólares de venganza” (también reseñada en este blog), película en la que también se puede apreciar, incluso con más claridad, la huella de la inmortal novela de Alexandre Dumas.

En resumen, una agradable película que no defraudará a los aficionados a este subgénero, y constituye el típico producto protagonizado por Giuliano Gemma que, a falta de ver “Sella d’argento” y la de Tex, creo se caracterizaba, por lo general, por su solvencia económica, por contar historias interesantes y por un acabado formal notable, en las que éste mostraba no sólo sus aptitudes como actor sino también sus cualidades gimnásticas, y en las que desarrolló un personaje más amable y agradable bastante alejado del prototipo de antihéroe del spaghetti.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 7
AMBIENTACIÓN: 7
DIRECCIÓN: 7
ACTORES: 7
MÚSICA: 7

MEDIA: 7

UN DÓLAR AGUJEREADO

Un dólar agujereado (Un dollaro bucato)
1965
Italia/Francia
Director: Giorgio Ferroi
Reparto: Giuliano Gemma, Ida Galli, Pierre Cressoy, Giuseppe Addobbati, Franco Fantasia, Tullio Altamura, Massimo Righi, Andrea Scotti, Nazzareno Zamperla, Benito Stefanelli, Franco Lantieri, Gino Marturano, Nello Pazzafini, Bernard Faber, Luigi Tosi, Sal Borgese, Pietro Ceccarelli , Giulio Maculani, Osiride Pevarella, Ignazio Spalla, Jack Rocha, Alfredo Rizzo, Fortunato Arena, Bruno Arié

Guión: Giorgio Stegani, Giorgio Ferroni
Fotografía: Antonio Secchi
Música: Gianni Ferrio

Coproducción franco-italiana de 1965 que supuso la primera colaboración entre el actor Giuliano Gemma y el veterano director y guionista Giorgio Ferroni, además de inaugurar su peculiar “trilogía Gary” (los otros dos títulos son “El hombre del sur” de 1966 y “Wanted. No soy un asesino” de 1967, ambas cuentan con sus correspondientes reseñas) caracterizada, desde el punto de vista estilístico, por un mayor apego a los westerns clásicos norteamericanos en detrimento de las propuestas “leonianas” y, desde el punto de vista temático, por tratar cuestiones como la dignidad y el honor; además de presentarnos a un héroe que poco tiene que ver con los típicos antihéroes del spaghetti y dar mayor importancia a la trama romántica y al personaje femenino principal. Fuera de este subgénero, ambos se volverían a encontrar en 1971 en la olvidable película de aventuras “El arquero de Sherwood”.

SINOPSIS: 1865 la Guerra de Secesión ha terminado. Los hermanos O’Hara, dos ex oficiales confederados, se verán involucrados en un complot urdido por McCoy, el codicioso magnate de la ciudad de Yellostowne, en el que el menor, Phil, pierde la vida mientras que el mayor, Gary, malherido, es dado por muerto. Recuperado de sus heridas, se embarcará en una lucha desigual con el objeto de conocer la verdad y descubrir a los asesinos.



Interesante largometraje representante de la primera hornada de westerns realizada en Europa que además de los mencionados temas de la dignidad y el honor (en una clarificadora conversación que mantiene Gary con un miembro de la banda de forajidos, antiguo soldado del sur, ante el comentario de este último que le dice: “No tiene honor quien pierde”, Gary le responde: “El honor le pertenece a uno mismo y nadie puede quitárnoslo”) trata otros como el manido en este subgénero de la venganza; el de la difícil reconciliación nacional, así en la primera escena los vencidos son humillados por los vencedores que les devuelven sus colts recortados, hay abundantes referencias a la guerra (un ciudadano de Yellostowne llega a afirmar: “Lo peor de la guerra es cuando llega la paz”) y Gary sufrirá la indiferencia, cuando no el desprecio, de los habitantes de Yellostowne (otro de los ciudadanos le advierte de que en ese pueblo no hay trabajo para los sudistas); o el de la complicada reinserción en una sociedad vengativa y llena de prejuicios hacia los vencidos, que han visto cómo sus haciendas han quedado desoladas (en este sentido se anticipa a otro estupendo spaghetti dirigido por Michele Lupo en 1977 y también protagonizado por Gemma, la crepuscular “California”, ya reseñada en este blog, con el que presenta ciertas semejanzas, sobre todo en la primera parte). En relación con este último tema es muy clarificadora la escena final en la que Gary por fin olvida sus ansias de venganza y deja que sean los ciudadanos del pueblo, en definitiva la sociedad de la que quiere formar parte, los que hagan justicia. La reinserción se ha completado y Gary pasa a ser uno más del pueblo.


Todo ello planteado a través de un guión, obra del propio Ferroni junto a Giorgio Stegani, algo simple e ingenuo (ciertas premisas como que el dólar salve la vida del protagonista, los forajidos no se percaten de que Gary no ha muerto o McCoy no reconozca a nuestro héroe, requieren la complicidad del espectador) pero efectivo y muy dinámico en el que no dejan de suceder cosas, y en el que las abundantes escenas de acción (persecuciones, peleas y tiroteos) están perfectamente integradas en la historia.


Por lo que respecta a la dirección de Ferroni que, con su habitual seudónimo de Calvin Jackson Padget, consigue una película con un gran ritmo sin tiempos muertos, al igual que el diseño de producción, y como señalé al inicio de la reseña, está claramente influenciada por los westerns estadounidenses, tan sólo delatando el origen del film la utilización de algún zoom, no demasiado exagerado, y las mayores dosis de violencia explícita. Además me ha llamado mucho la atención la forma bastante elegante de mover la cámara en algunas secuencias, con una meritoria utilización de la grúa y de los travellings, y el inusual cuidado formal de otras escenas, como aquella en la que los forajidos torturan a un ranchero con una clara influencia expresionista en el tratamiento de la luz y en la que, supongo, jugó un papel fundamental Antonio Sechi, aquí bajo el seudónimo de Tony Dry, como responsable de la fotografía.



Otros aspectos positivos del film me parecieron las localizaciones, que se alejan de los paisajes soleados de Almería para encontrarnos con zonas frondosas, encharcadas e, incluso, en algunas secuencias neblinosas acordes con la historia narrada; y, sobre todo, la estupenda y variada banda sonora de Gianni Ferrio (colaborador de Ferroni en “Wanted” y compositor habitual en este subgénero) con un excelente y pegadizo tema llamado “A man… a story”, todo un éxito en su época, ofrecido en varias versiones (incluso en los títulos de crédito finales aparece cantado por Fred Bongusto). Junto a este, otro gran tema romántico y de corte clásico, “Give me back”, que también se escucha en versión instrumental y por unos segundos cantado, en esta ocasión, por Lydia McDonald; y uno épico más spaghettero bastante bueno que acompaña perfectamente las escenas de acción, sobre todo las cabalgadas; además de varios incidentales. Todos ellos están muy bien utilizados y están al servicio de las escenas, potenciando su carga dramática.


Por lo que respecta a los actores, el papel del íntegro Gary O’Hara está perfectamente interpretado por el atlético Gemma, bajo su seudónimo inicial, por lo que he leído en el libro de Rafael de España homenaje tanto a Clint Eastwood como a Robert Woods, de Montgomery Wood, mostrándose en plena forma en las escenas de acción. Fue esta película, rodada inmediatamente después de la exitosa “Una pistola para Ringo” (spaghetti que también cuenta con su oportuna reseña), la que terminó por encumbrarlo como uno de los grandes iconos de este subgénero, creando un tipo de personaje más amable, simpático y sonriente alejado del estereotipo taciturno encarnado por Eastwood. Junto a él, la seráfica Ida Galli, con su nombre artístico habitual de Evelyn Stewart, actriz recurrente en este género a la que también se pudo ver en la siguiente década en algunos notables giallos (“La cola del escorpión” del especialista Alberto Martino, “Huellas de pisadas en la Luna” del interesantísimo y original Luigi Bazzoni o “Siete notas en negro” del controvertido Lucio Fulci), da vida convincentemente a Judy, la sufrida esposa de Gary; mientras que, para mí, se muestra inferior el veterano Pierre Cresoy, en los títulos de crédito Peter Cross, al dar vida al malvado McCoy, el típico magnate sin escrúpulos que se aprovecha de la situación de caos vivida tras la guerra para enriquecerse apoderándose de las tierras de los rancheros. Curiosamente los tres intérpretes coincidirían ese mismo año en el aceptable western dirigido por Giorgio Stegani “Adiós gringo”, también comentado en este blog. Además la película cuenta con el aliciente añadido de que aparezca un gran número de actores, todos ellos al igual que la mayoría del equipo técnico con seudónimos americanizados en un intento supongo de hacer pasar por norteamericana la película, cuyos rostros se harían populares entre los amantes de este subgénero como Franco Fantasia en su típico papel de sheriff, en este caso corrupto, Giuseppe Addobbati en el papel de un confiado y desdichado ranchero que además rinde homenaje, no sé si conscientemente, al primer filme de Leone al hablar textualmente de “por un puñado de dólares”, Nello Pazzafini que presta su amenazante físico a uno de los hombres de la banda de McCoy, Massimo Righi como otro miembro, en este caso arrepentido, de la banda o Ignazio Spalla en el papel de un mejicano que se ocupará del gravemente herido Gary.



Por último indicaros que tengo el DVD puesto a la venta por Wild West que respeta el formato original y cuenta con un buen sonido y una imagen decente aunque en las escenas nocturnas carece de la suficiente nitidez. En cuanto a los extras, muy escasos, aparece una sucinta ficha del director y un tráiler de la película, junto con las típicas fotos y la ficha técnica de la película.
En resumen, un buen ejemplo de spaghetti que toma como modelo a los westerns serie b norteamericanos a los que, para mí, no sólo tiene poco que envidiar sino que en muchos casos, incluso, supera, y que constituye una buena muestra del más que correcto nivel alcanzado en este género en Europa antes de que proliferasen un buen número de películas hechas con precipitación y muy escasos medios y cuyas propuestas cada vez fueron más estrambóticas.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 6.
AMBIENTACIÓN: 7.
DIRECCIÓN: 7.
ACTORES: 6.
MÚSICA: 8.

MEDIA: 6,8.

Conrado San Martín

Prolífico actor y ocasional productor español (Higuera de las Dueñas, Ávila 1921) que ha intervenido en más de ciento veinte películas y episodios para televisión, aparte de protagonizar numerosas obras de teatro, y todo ello a pesar de que desapareció profesionalmente, como el Guadiana, en 1968 para no volver al mundo de la interpretación hasta ocho años después en un filme de Pedro Masó. Sólo apareciendo, según he podido comprobar en una página de cine, durante esos años en un papel sin acreditar en el largometraje de Sergio Leone “¡Agáchate maldito!”.

En los primeros años de su vida se dedicaría al boxeo como amateur, al mismo tiempo que empezaba a desempeñar pequeños papeles en el teatro y aparecía como figurante en algunas películas. Durante la década de los cuarenta trabajará como secundario para directores tan característicos como Antonio Román (“Los últimos de Filipinas” y “Fuenteovejuna”), Rafael Gil (“El fantasma y Doña Juanita”, “Don Quijote de la Mancha”), Juan de Orduña (“La Lola se va a los puertos”, “Locura de amor”) o Luis Lucía. Pero su talento no pasará desapercibido y la productora Emisora Films de Ignacio F. Iquino le contratará en exclusiva a finales de esta década convirtiéndole en el galán protagonista de esta productora. 1950 se convertirá en un año clave profesionalmente para Conrado ya que, en Emisora Films, protagonizará ”Mi adorado Juan” de Jerónimo Mihura (su largometraje favorito) y la película de gran éxito dirigida por Julio Salvador y con guión de Isasi-Isasmendi “Apartado de correos 1001”, un gran thriller que, junto a “Brigada criminal”, también producida por Iquino, inauguraría un cine policíaco a la española desarrollado fundamentalmente en Barcelona y Madrid.
El éxito cosechado con esta película le permitiría durante esta década protagonizar un gran número de largometrajes y le animaría a constituir su propia productora de vida efímera, Laurus Films, con la que protagonizaría dos dramas dirigidos por Salvador, ”Lo que nunca muere” y "Sin la sonrisa de Dios”, que no tuvieron demasiada suerte entre el público.
En la siguiente década y en plena madurez constituirá una presencia habitual en las abundantes coproducciones que se rodarían en Europa como “El coloso de Rodas” dirigida en 1961 por Sergio Leone y protagonizada por Rory Calhoun; “Rey de reyes” superproducción dirigida por Nicholas Ray sobre la vida de Jesús de Nazareth, al que encarnó Jeffrey Hunter; “Gritos en la noche” de Jesús Franco; o varios spaghettis entre los que se encuentra “Hasta que llegó su hora”. En 1976, este actor admirador confeso de Spencer Tracy y Gary Cooper, retomaría su carrera interviniendo hasta hoy en películas de Pedro Masó (“La menor”), Pedro Lazaga (“Vota a Gundisalvo”), Vicente Aranda (“Asesinato en el comité central”, basada en una novela de Vázquez Montalbán), Pilar Miró (“Hablamos esta noche”), Miguel Picazo (“Extramuros”) o Jaime Camino (“Dragón Rapide”); al mismo tiempo que, progresivamente, iría intensificando su presencia en la pequeña pantalla apareciendo en series como “Proceso a Mariana Pineda” protagonizada por Pepa Flores, “La huella del crimen” en el episodio sobre el crimen del capitán Sánchez, “Brigada central” serie policíaca basada en unos relatos de Juan Madrid y protagonizada por Imanol Arias, “Los jinetes del alba”, drama bélico con Victoria Abril y Jorge Sanz o la miniserie de televisión dirigida por Fernando Méndez Leite “La Regenta”, adaptación de una novela de “Clarín”.


Su última aparición, en 2008, ha tenido lugar en la miniserie de televisión “La bella Otero”

Filmografía SW:
1965.- “Plazo para morir”

1967.- “Los largos días de la venganza”
1967.“Winchester Bill”
1968.- “Hasta que llegó su hora”/// Reseña adicional
1971.- “¡Agáchate maldito!”/// Reseña adicional
1984.- “Al este del oeste”

JOE NAVIDAD

JOE NAVIDAD (The Christmas Kid)
1967
España/Usa
Director: Sidney W. Pink
Reparto: Jeffrey Hunter, Louis Hayward, Gustavo Rojo, Perla Cristal, Luis Prendes, Reginald Gilliam, Fernando Hilbeck, Jack Taylo, Eric Chapman, Russ Stoddard , Carl Rapp, Guillermo Méndez, Álvaro de Luna, Alejandra Nilo.
Guión: Rodrigo Rivero, Jim Henaghan
Fotografía: Manuel Hernández Sanjuán

Música: Fernando García Morcillo

Coproducción hispano-estadounidense de 1967 ejemplo de los westerns de bajo presupuesto rodados en España durante los años sesenta y setenta con capital norteamericano en los que se buscaba abaratar los costes, y que en esta ocasión contó como director, a la vez que productor, con el recientemente fallecido Sidney W. Pink, un hombre de cine (fue director, guionista y, sobre todo, productor) conocido básicamente por haber participado en la producción de la primera película en color en 3D (“Bwana devil” de 1952 protagonizada por el “intocable” Robert Stack) que tras dirigir y producir dos filmes de ciencia ficción de serie Z en Dinamarca (“Repticulus” de 1961 y “Journey to the Seventh Planet” de 1962) en los que contó con la colaboración como guionista de su amigo Ib Melchior, recaló en España en donde dirigió y produjo varias películas hasta finales de los sesenta, entre ellas varios westerns de escasa calidad como “El dedo en el gatillo” (1965) con el habitual en producciones de serie b Rory Calhoun, “Los siete de Pancho Villa” (1967) y “Bang, Bang Kid” (1967). En las dos últimas, ya comentadas en este blog, sólo se limitó a labores de producción, encargando la dirección de la primera a José María Elorrieta, realizador con el que trabajaría habitualmente a finales de la década de los sesenta. Además le dio uno de los primeros papeles importantes a Dustin Hoffman en la coproducción italo-hispano-estadounidense rodada en Italia “El millón de Madigan” (1968).

SINOPSIS: Joe Novack, apodado Joe “Navidad” por haber nacido el día de Navidad de 1855, crece en la ciudad de Jaspers bajo la indiferencia de su alcohólico padre, que le responsabiliza de la muerte de su madre durante el parto, y la educación de tres de los prohombres del pueblo. Convertido en un problemático y pendenciero joven, el descubrimiento de importantes yacimientos de cobre en la región y la llegada de individuos indeseables y ambiciosos al pueblo, sobre todo Mike Cullingan, pondrán a prueba sus convicciones morales.

Nos encontramos ante un curioso guión, en el que se establece un cierto paralelismo entre la vida del protagonista y la de Jesucristo, estructurado en dos partes diferenciadas. Así en la primera vemos nacer y crecer al protagonista, así como su evolución pasando de ser un crío apocado que rehúye las peleas y suele “poner la otra mejilla” a convertirse en un pistolero bravucón, líder de los jóvenes del pueblo, al que su tío Louis ha enseñado a pelear y a disparar. Mientras que en la segunda, convertido en un adulto, se redimirá abandonando la vida que había llevado hasta ahora y, como sheriff de la ciudad, se enfrentará a Mike Cullingan, una especie de mafioso hombre de negocios causante de los mayores desmanes en Jaspers.

En ambas partes las referencias a la figura de Jesús son evidentes: su madre se llama Marika (nombre magiar para María); en la primera escena vemos a sus padres buscando un lugar para dar a luz Marika, encontrando tan sólo una especie de posta abandonada en donde nacerá el protagonista el día de Navidad; hasta allí llegan, guiados por la luz que desprende el fuego, tres individuos con profesiones “nobles” (el médico, el juez y el alcalde de Jaspers); su padre es un trabajador manual, en este caso pasa de ser carpintero a herrero; de mayor redimirá a una cabaretera-prostituta que para más señas se llama Marie en una clara alusión a María Magdalena; en un momento dado el sheriff de la ciudad dice de él que “Los jóvenes lo idolatran”; será tentado por un mefistofélico Cullingan tanto con riquezas como con mujeres; será traicionado, a cambio de una jugosa cantidad de dinero, por uno de sus mejores amigos, llamado Jud, que se arrepentirá de su traición en el último momento; estará a punto de ser ajusticiado, aquí se cambia la cruz por la horca, junto a otros dos delincuentes; y por último, tras su “resurrección”, se convertirá en el líder de Jaspers en una escena final en la que todos los habitantes del pueblo le siguen.

Pero estas premisas interesantes del guión son echadas a perder por un desafortunado Sidney Pink que parece carecer del talento suficiente para dar una mayor hondura a la historia y al drama vivido por el protagonista, criado por los tres prohombres ante el desprecio que siente hacia él su alcohólico padre. El resultado es una película mediocre y aburrida en la que el director muestra su incompetencia para narrar una historia, ya que en bastantes ocasiones no quedan suficientemente explicadas las reacciones de los personajes y la historia, sobre todo a partir de la aparición del corruptor Cullingan, se hace cada vez más precipitada y confusa con saltos bruscos entre las distintas escenas. Así por ejemplo vemos al juez presidir un juicio y en la siguiente escena estar en una reunión en la que se elige sheriff a Joe; o en otra vemos en el saloon a Joe que convence a Marie delante de Cullingam para que abandone “esa vida de perdición”, en la siguiente Cullingam y Marie discuten en una habitación en la que entra Joe, para a continuación en otra habitación ver a Cullingam planear con dos pistoleros el asesinato de Marie. En definitiva, un caos narrativo.

Y a todo esto hay que añadir las escasísimas escenas de acción y el hecho de que, debido al presupuesto irrisorio con el que se contó, la mayor parte del filme se desarrolla entre las cuatro casas que conforman el pueblo.

Por lo que respecta al elenco actoral creo que es de los pocos elementos salvables de la película. Para dar vida a Joe Navidad se escogió Jeffrey Hunter, un actor lanzado como una de las grandes promesas de la 20th Century Fox en los años cincuenta que llegó a trabajar con John Ford en tres largometrajes (entre ellos la mítica “Centauros del desierto”) y que en la siguiente década, en plena decadencia, se convirtió en un habitual de las coproducciones europeas, participando en varios euro westerns como “Joaquín Murrieta” (1965), “Oeste sin fronteras” (1967), ambas ya comentadas, o la película que nos ocupa. Junto a él, un estupendo Louis Hayward, que ese mismo año había interpretado al traidor mayor Benson en el western de Gordon Douglas “Chuka”, encarna al mismísimo Diablo personificado en el personaje de Cullingham, un ambicioso y taimado hombre de negocios acostumbrado a corromper a las personas. El principal, y prácticamente único, personaje femenino recayó en la actriz argentina Perla Cristal, por aquellos años habitual en este subgénero (por ejemplo se la pudo ver en las ya reseñadas en este blog “Siete pistolas para los McGregor”, “Las siete magníficas”, “Comanche blanco” o “Reverendo Colt”), que interpreta aceptablemente a la “pecadora” y finalmente redimida Marie. En papeles secundarios nos encontramos a actores de la solvencia de Gustavo Rojo (visto, entre otras, en las también comentadas “Mestizo” y “Los desesperados”, además de las mencionadas “Los siete de Pancho Villa” y “Las siete magníficas”) como uno de “los reyes magos”, el alcalde Louis que enseñará a pelear y a disparar a Joe; Luis Prendes, que había coincidido con el anterior en “Mestizo” y “Las siete magníficas” y con Perla Cristal en esta última y en “Comanche blanco”, en el papel del juez George Perkins, otro de “los reyes magos”, que se mostrará muy critico con la evolución experimentada por Joe; el actor norteamericano afincado en España Jack Taylor, que en poco tiempo se convertiría en un recurrente del fantaterror español, sobresale en las escenas en las que aparece como el torturado y alcoholizado padre de Joe, al que responsabiliza de la muerte de Marika (en un momento dado se refiere a él como a un Caín); mientras que Fernando Hilbeck, un gran secundario con varias apariciones en este género, se encarga del traidor Jud Walters, para mí gusto un interesante personaje muy poco desarrollado.

En resumen, un eurowestern del montón que desperdicia sus atractivas premisas y que me resultó terriblemente tedioso por carecer de fuerza el drama narrado y por sus escasas escenas de acción.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 4.
AMBIENTACIÓN: 3.
DIRECCIÓN: 2.
ACTORES: 6.
MÚSICA: 4.

MEDIA: 3,8.

Stewart Granger

Actor de origen británico (Londres 1913-Los Ángeles 1993) nacionalizado estadounidense en 1956, cuyo verdadero nombre era James Lablanch Stewart, por lo que tuvo muy pronto que cambiar su nombre para no coincidir con el de la pujante estrella hollywoodiense, y que se convertiría, gracias sobre todo a su prestancia (era alto, esbelto y elegante) en un icono del cine de aventuras y de capa y espadas durante la década de los cincuenta, llegando a ser considerado el sucesor natural de Errol Flyn. 

Sus primeros pasos en el mundo de la interpretación, tras haber recibido clases en la prestigiosa Webber-Douglas School of Dramatic Art, los dio simultáneamente en el teatro, con obras como “The Cardinal”, “The sun never sets” y “Rebeca” (obra de Daphne du Marier que sería adaptada al cine por Alfred Hitchcock), y el cine (debutó en 1933 con “A Southern Maid”). Pronto se verá encasillado en papeles de galán debido a un sistema de producción (tenía contrato con la productora Gainsborough) excesivamente mimético del norteamericano, hecho que denunció en innumerables ocasiones y le llevó a repudiar esta etapa al no haber podido escoger los papeles a interpretar.

De su primera época destacan filmes como “Perfidia” dirigida en 1943 por Leslie Arliss, con el que volvería a trabajar al año siguiente en “Love Story”, que le emparejó con Margaret Lockwood y James Mason (uno de sus grandes amigos especializado en roles negativos), “Fanny by Gaslight” (1945) de Anthony Asquith en la que volvió a coincidir con Mason, “Waterloo Road” también de 1945 y con John Mills de protagonista, la adaptación de la obra de Bernard Shaw “César y Cleopatra” pareja interpretada por Claude Rains y Vivien Leigh, “La mansión de los Fury” dirigida por Marc Allégret en 1948 y “Adán y ella” (1949) en la que tuvo como pareja a Jean Simmons, actriz con la que se casaría al año siguiente.

Gracias a su popularidad creciente, Hollywood pronto se fijó en él y la Metro Goldwyn Mayer le ofreció el papel del aventurero Allan Quatermain en la exitosa adaptación, realizada en 1950 por Compton Bennet y Andrew Marton, del clásico de aventuras escrito por H. Ridger Haggard “Las minas del rey Salomón” que le emparejó con Deborah Kerr, actriz con la que formaría una estable pareja artística.

A partir de ese momento y durante toda la década de los cincuenta los éxitos se suceden con películas que adaptaban obras intemporales de la literatura juvenil como “Tres soldados” (1951) adaptación de un relato de Rudyard Kipling, realizado por Tay Garnett, con Walter Pidgeon y David Niven; “Scaramouche” (1952) realizada por George Sidney, que también le dirigió junto a Jean Simmons y Deborah Kerr en ”La reina Virgen”, y basada en una novela del tantas veces llevado a la pantalla Rafael Sabatini en la que se debatía entre el amor de Eleanor Parker y el de Janet Leigh; “El prisionero de Zenda” (1952) adaptación dirigida por Richard Thorpe, con el que volvería a trabajar al año siguiente en “Todos los hermanos eran valientes” (otra notable película de aventuras protagonizada por Robert Taylor y Ann Blyth), que le volvió a reunir con Deborah Kerr y James Mason; o “Los contrabandistas del Moonfleet” gran adaptación realizada por Fritz Lang en 1955 de la imperecedera novela escrita por J. Meade Falkner. Películas en las que, además, demostró sus grandes cualidades como espadachín.

También se le pudo ver en otros géneros como el western en la notable “La última caza” dirigida en 1956 por Richard Brooks con Robert Taylor en el papel de un racista cazador de bisontes; el thriller victoriano con la estupenda “Pasos en la niebla” (1955) de Arthur Lubin, de nuevo con su mujer Jean Simmons; y el drama en “Cruce de destinos” realizada en 1956 por George Cuckor, en la que tuvo como coprotagonista a Ava Gardner, con la que volvería a coincidir al año siguiente en la sosa comedia “La cabaña” dirigida por Mark Robson. Esta gran década finalizaría con su participación en la deliciosa comedia dirigida por Henry Hathaway y protagonizada por John Wayne “Alaska, tierra de oro”.

En la década siguiente su popularidad comenzará a eclipsarse, apareciendo en títulos menos importantes realizados tanto en Europa como en los EEUU. De esta época destacan el drama bíblico dirigido en 1962 por Robert Aldrich “Sodoma y Gomorra”, el largometraje bélico “Secreta invasión” (1964) típica producción de Roger Corman que repetía el esquema de “Doce del patíbulo”, la parodia dirigida en 1963 por Sergio Corbucci “El día más corto” en la que tuvo un pequeña papel o la fallida “El último safari” (1967) del casi siempre fiable Hathaway.

Es en esta década en la que se producirá su debut en el western hecho en Europa al protagonizar como Old Surehand tres películas basadas en los libros de Karl May ambientados en el Oeste.


Durante las dos siguientes décadas apenas se le pudo ver en la gran pantalla (destaca una breve aparición en “Patos salvajes”, film bélico dirigido en 1978 por Andrew Victor McLaglen con Richard Burton, Richard Harris y Roger Moore), siendo más frecuentes sus apariciones en televisión (entre otras, se le pudo ver de 1970 a 1971 en veinticuatro episodios de “El Virginiano”).

Filmografía "Eurowestern":

1964.- “Los buitres”.
1965.- “El asalto de los apaches”.
1965.- “Justiciero de Kansas”.

YO SOY LA REVOLUCIÓN (Video)

Vídeo de Daniel Andrés sobre este clásico del spaghetti.