EL DESPERADO

EL DESPERADO
1967
Italia
Director: Franco Rossetti
Reparto: Andrea Giordana, Rosemarie Dexter, Franco Giornelli, Dana Ghia, Piero Lulli, Aldo Berti, Giovanni Petrucci, John Bartha, Giuseppe Castellani, Giorgio Gruden, Gianluigi Crescenzi, Sandro Serafini, Antonio Cantafora, Pino Polidori, Andrea Scotti, Dino Strano, Claudio Trionfi, Osiride Pevarello

Guión: Ugo Guerra, Franco Rossetti, Vincenzo Cerami
Fotografía: Angelo Filippini
Música: Gianni Ferrio

Spaghetti de nacionalidad italiana de 1967 producido por la pareja Ugo Guerra y Elio Scardamaglia, este último con bastante experiencia en el péplum, a través de las productoras Daiano Film y Leone Film, dos pequeñas compañías que nos ofrecieron algunas muestras notables en este género como, las ya comentadas en este blog, “Johnny el vengador” (Enzo G. Castellari, 1968), “Forajidos implacables” (Alberto Cardone, 1969) o “Los desesperados” (Julio Buchs, 1969).

En esta ocasión contaron como director, en su única incursión en este subgénero, con Franco Rossetti, un cineasta más conocido por su faceta como guionista, sobre todo en el spaghetti western con títulos como la imprescindible “Django”, la magnífica “Adiós Texas”, o las interesantes “El clan de los ahorcados” y “La puerta del infierno” (todas ellas cuentan con sus correspondientes reseñas); que como director, ya que tan sólo se puso detrás de la cámara en siete ocasiones más, con resultados discretos. Por lo que es una lástima, dado el nivel alcanzado con esta película, que no rodara más westerns.

SINOPSIS: Steve Blasko, un forajido sin escrúpulos, tras ser salvado de la horca por su amigo Jonathan topará con un moribundo oficial sudista que antes de morir le revelará la existencia de 75.000 dólares custodiados por su padre en Overton. Con la finalidad de apoderarse del preciado botín no dudará en suplantar la personalidad del oficial muerto y se dirigirá a la citada ciudad, en realidad un pueblo abandonado debido a una epidemia de cólera, en donde todavía habita el padre invidente del oficial sudista. Pero hasta allí llegarán dos desertores confederados y un grupo de pistoleros que pretenden apoderarse de un cargamento de oro confederado, y cuya presencia trastocará trágicamente los planes de Steve.

Película amarga, dura y sin concesiones con la codicia como tema principal, un deseo que termina por matar a los hombres, tanto desde el punto de vista moral (la mayoría de los personajes se convierte, ante la promesa de una riqueza futura, en bestias despojadas de cualquier atisbo de humanidad), como física (la avaricia les conducirá a un único camino criminal y a su propio aniquilamiento). Al mismo tiempo que se caracteriza por su tono desesperanzado, ya que prácticamente niega a aquellos que han tomado este camino la posibilidad de redimirse y con ella la esperanza de una nueva vida alejada de la violencia y el delito.

El filme cuenta con un guión bastante elaborado en el que participaron, entre otros, Vincenzo Cerami (novelista, dramaturgo y guionista, coautor de la ya reseñada en el blog “Tierra de gigantes” y nominado al Oscar por “La vida es bella”), el propio director, que retomará de “Django” el escenario en donde se desarrolla la parte central del filme (un pueblo prácticamente abandonado y lleno de barro que contrasta con los paisajes soleados y secos de sus alrededores) y Ugo Guerra (que en la posterior “Los desesperados” volvería a la idea de la epidemia como elemento dramático fundamental en el desarrollo de la historia), que presta especial atención a los diálogos, constituyendo un claro ejemplo el interrogatorio, con respuestas profundamente escépticas, al que somete Jonathan a Steve tras salvarlo de la horca ("¿Qué has hecho en estos últimos dos años? ¿Dónde has estado?". “Aquí y allá”. "¿Haciendo qué cosa?". “Viviendo”. “¿A dónde vas ahora?”. “Lejos de aquí”. "Siempre solo ¿no?". "Nací de esa manera"); y estructura el largometraje en tres partes:

- La introducción en la que se plantea la historia, se abre con una gran y violenta escena y sirve para mostrarnos la catadura moral del protagonista que no duda en disparar por la espalda a los individuos que quisieron lincharlo, al mismo tiempo que se plantea dejar sin enterrar al oficial moribundo porque según sus propias palabras no tiene tiempo.

- La parte central que se desarrolla en el pueblo fantasma de Overton, todo ella magnífica por el suspense y la atmósfera opresiva creados. En la que destacan las imágenes tormentosas nocturnas del pueblo como metáfora del explosivo carácter de los bandidos y del conflicto que se va a vivir, idea que me recordó a otros westerns tanto hechos en Europa (“Keoma”), como en Estados Unidos-(la mismísima “Sin perdón”) y, sobre todo, la larga y excepcional secuencia que se inicia tras ser capturado Steve y finaliza con un plano general en el que se ve a los pistoleros marcharse tras haber provocado la desolación, que por su fuerza, dramatismo, crueldad, brutalidad, planificación y montaje, creo, debería formar parte de la antología del euro western. Supongo que es por esta escena por lo que éste es uno de los spaghettis favoritos de Tarantino.

- El final en el que Steve, tras “resucitar”, da rienda suelta a su salvaje venganza. Lástima que, para mí, sea la parte más convencional y floja del filme, con un plan bastante simple y en la que se pierde el tono de profunda amargura, con unos Estados Unidos devastados por la guerra y unos soldados sudistas a los que sólo les espera la muerte o la deserción y el bandidaje, que presidía la película. Tono sólo recuperado al final de la misma.

Además, desde el punto de vista técnico, es una película con una factura impecable en la que destaca la estupenda labor del director de fotografía, Angel Filippini, y una gran labor de ambientación, fundamentalmente en el pueblo de Overton. Y a ello hay que añadir una buena banda sonora del habitual Gianni Ferrio con una melodía, “El desperado”, muy bien cantada por John Balfour que se repite con distintas variaciones, además de contar con varios temas muy acertados, bien utilizados y apropiados para la historia narrada.

El último elemento sobre el que se sostiene el filme son los actores, que en esta ocasión cuentan con personajes bastante interesantes caracterizados todos ellos por vivir al margen de la sociedad. Para el papel de Steve se escogió al galán Andrea Giordana, actor nacido en el seno de una familia relacionada con el cine (su madre, por ejemplo, era la actriz británica Marina Berti), que sólo rodó cuatro westerns pero de gran calidad (al año siguiente lo encontraríamos en “Johnny el Vengador” y en “Cuanto cuesta morir”, ambas ya reseñadas). En este filme, bajo el horroroso seudónimo de Chip Gorman, creo que transmite con acierto la complejidad de su personaje, un brutal pistolero que pierde toda posibilidad de regeneración al dejarse llevar por sus instintos asesinos y por su lado más oscuro en el tramo final de la película. Junto a él dos personajes femeninos que, como en “Arizona Colt” (película ya comentada en la que también participó en la producción Elio Scardamaglia) representan tipos muy diferenciados, por un lado la virginal Katy, a la que da vida Rosemary Dexter, quizás la última oportunidad de Steve para reinsertarse en la sociedad, y por otro la mundana Lucy, a la que prestó su rostro Dana Ghia, antigua amante de Steve y todavía enamorada de él que en un momento dado jugará un papel importante. Además también aparecen un flojo Franco Giornelli, actor de exigua carrera, en el rol de Asher, el líder de los bandidos que, creo, hubiera necesitado de un actor con mayor presencia, y el recurrente en este género Aldo Berti como Jonathan, un peculiar personaje, que recuerda al interpretado para “Un dólar entre los dientes” (película con su correspondiente entrada en este blog) al que le gusta disfrazarse de sacerdote y de juez, en lo que, creo, constituye una crítica velada a ambas instituciones. Mención aparte hay que hacer de Piero Lulli dando vida a Sam, el padre ciego de Steve, un personaje inhabitualmente positivo en su carrera con el que vuelve a demostrar que era uno de los grandes secundarios con los que se contó en este subgénero.

En definitiva, “El desperado” me ha parecido, a pesar de ciertos aspectos menos logrados (por ejemplo parece bastante improbable que Steve pueda timar a Sam haciéndose pasar por su hijo o el comentado e inferior tramo final) una pequeña joya poco conocida a descubrir por cualquier aficionado al spaghetti.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 7
AMBIENTACIÓN: 8
DIRECCIÓN: 7
ACTORES: 7
MÚSICA: 7

MEDIA: 7,2

JOHNNY YUMA

Johnny Yuma
1966
Italia

Director: Romolo Girolami
Reparto: Mark Damon, Lawrence Dobkin, Rosalba Neri, Leslie Daniel, Luigi Vannucchi, Fidel Gonzalez, Gustavo D'Arpe, Gianni Solaro, Nando Poggi, Dada Galloti, Franco Lantieri, Mirella Pamphili
Guión: Fernando Di Leo, Romolo Guerrieri, Sauro Scavolini, Giovanni Simonelli
Fotografía: Mario Capriotti
Música: Nora Orlandi

Película italiana de 1966 producida a través de dos pequeñas compañías, Tiger Film y Western Film, por Italo Zingarelli, productor iniciado en el péplum y responsable en este subgénero, entre otros, de títulos tan significativos como “Odio por odio”, “Un ejército de cinco hombres” en la que también hizo labores de director o las exitosas dos entregas de Trinidad protagonizadas por la pareja Hill-Spencer, interpretes con los que colaboraría en otros géneros (“Más fuerte muchachos”, “Estoy con los hipopótamos”).

En esta ocasión se encargó la dirección a un joven Romolo Guerrieri, realizador con bastante experiencia como ayudante de dirección y cuyos primeros pasos como máximo responsable de una película están muy ligados, al igual que le ocurrió a su sobrino Enzo G. Castellari, al western ya que filmó sucesivamente “Siete pistolas para Timothy” (1966) película, ya comentada en este blog, deudora en el título, la temática y la estructura del clásico rodado en 1960 por John Sturges “Los siete magníficos”, el film que nos ocupa y, quizás su mejor aportación al euro western, la también reseñada “Como lobos sedientos” (1967), un notable spaghetti de gran e inusual belleza cuyo carácter intimista, atmosfera fatalista y gusto por la violencia explícita le emparejan, en cierta medida, con “Johnny Yuma”. Tras rodar estos tres spaghettis no se volvería a acercar a este subgénero y probaría en otros con desigual fortuna. Así rodaría flojos giallos (“El dulce cuerpo de Deborah” de 1968 con la otrora estrella norteamericana Carroll Baker) y olvidables comedias (“El divorcio”), pero al mismo tiempo algunos logrados poliziescos como “Defendiendo a los ciudadanos” (1974) con un enorme Enrico Maria Salerno y “Juventud armada y peligrosa” (1976) con Tomas Milian, uno de sus largometrajes más conocidos y de mayor éxito; para terminar rodando subproductos como “L’ultimo guerriero” (1984), típica película de explotación con temática postnuclear.

SINOPSIS: Samantha Felton, una ambiciosa y bella mujer, con ayuda de su despiadado y psicótico hermano Pedro, planea el asesinato de su marido con el objeto de apropiarse de sus preciadas posesiones. Muerto su esposo se entera de que éste había nombrado como único heredero a su sobrino Johnny, por lo que decidirá entonces contactar con un antiguo amante y hábil pistolero, Linus Jerome Carradine, para que acabe con Johnny; pero entre ambos pistoleros se establecerá una sincera relación de camaradería que trastocará los planes de Samantha y tendrá funestas consecuencias para la mayoría de los personajes.

Notable spaghetti que cuenta con una historia, alejada de los caminos trillados, escrita, entre otros, por el propio Guerrieri y el especialista Fernando Di Leo (uno de los mejores y más prolíficos guionistas de este subgénero con títulos tan apreciables como “Por un puñado de dólares”, “La muerte tenía un precio”, “El retorno de Ringo”, “Los largos días de la venganza”, “No soy un asesino” o “Los profesionales del oro”, todas ellas ya comentadas en este blog, y conocido fuera de este subgénero por la denominada “trilogía del milieu” sobre el crimen organizado en Italia) que gira en torno a temas como la traición, la ambición y la codicia perfectamente simbolizados todos ellos en la figura de Samantha. Así nos encontramos con uno de los elementos más originales de esta película como es la gran importancia del principal personaje femenino, sobre todo teniendo en cuenta que en el spaghetti o se ignoraba a la mujer o ésta apenas era una figura intranscendente en la trama. Sin embargo en este filme Samantha aparece como un personaje frío, cerebral, sin escrúpulos y con una fuerte personalidad que antepone la riqueza a cualquier sentimiento (llega a afirmar “No se puede ser pobre y feliz”) y sobre el que girará todo el desarrollo de la historia, puesto que, cual mujer fatal, se valdrá de sus evidentes encantos para utilizar a los hombres, seres que se muestran más débiles y humanos, y conseguir sus espurios objetivos, acabando con ellos una vez que no le hacen falta.

Figura, por tanto, sombría y llena de matices, clara muestra de la preocupación, tanto de los guionistas como del director, por dotar a los personajes de una mayor profundidad psicológica de lo que era habitual en este subgénero. Así, junto a la estupendamente perfilada Samantha, nos encontramos con Linus Jerome Carradine, para mí el personaje más interesante, antiguo amante de ésta, que se nos presenta como un implacable pistolero pero también hombre de honor (en un momento dado afirma “Sólo mi revólver está en venta, no yo”), culto, refinado (le gusta el ajedrez frente al póker, tiene querencia por la literatura y sabe tocar el piano) y todavía herido por la relación vivida con Samantha; con el hermano de ésta, Pedro, un psicótico y a la vez cobarde y débil matón que se comporta como un pelele de su hermana con la que mantiene una relación ambigua; o con el propio antihéroe, Johnny Yuma, un personaje en la línea de James Bond, tan en moda en ese momento, cínico, donjuanesco, violento pero también con su propio código del honor, así tras acabar con tres pistoleros en la brillante escena inicial y no mostrar ningún tipo de contrariedad (le veremos inmediatamente después sentarse a comer y perderse en una habitación con la posadera), se niega a cobrar la recompensa que ofrecían por ellos, lo que da pie a un espléndido diálogo entre Fidel y él, al preguntarle el primero: “¿Cómo se pueden enterrar 360 $?” y responder éste: “Con una pala”.


Otro elemento destacado del filme es el paisaje, bellamente retratado por Mario Capriotti, con una importancia notable al presentarnos el desierto como un elemento amenazante que jugará un papel fundamental y se convertirá en un elemento dramático de primer orden.

Además la película creo que está muy bien rodada por Guerrieri (claros ejemplos son la partida de póker, que comienza con un picado para, después, situar la cámara en el centro de la mesa y con un giro de 360 grados mostrarnos a los jugadores, y el estupendo tiroteo final en el pueblo abandonado que necesariamente remite al de “La muerte tenía un precio”), quien sabe dotar a las escenas de una potente carga dramática (especialmente brillante me pareció el definitivo y fatal encuentro entre Samantha y Linus) y de una inusitada violencia teniendo en cuenta el año en que se rodó (escenas en las que no se nos ahorra la visión de la sangre como la de la original tortura al héroe picándolo como si fuese un toro, la salvaje paliza al niño o la venganza de Yuma sobre Pedro convierten a este spaghetti en uno de los más brutales para el año en el que se rodó de los que he visto). Además consigue, a mi juicio, un perfecto equilibrio entre el tono sombrío del filme y algunas escenas cómicas bastante logradas como aquella en la que aparece la oficina encargada del pago de las recompensas que cuenta con todo tipo de adelantos tecnológicos. En su contra creo que hay que achacar cierta irregularidad al largometraje y otros momentos menos conseguidos y más tópicos como la consabida pelea en el saloon.

Por lo que respecta a la banda sonora, fue compuesta por Nora Orlandi, que en esta ocasión escribió un pegadizo tema principal cantado por los habituales The Wilder Brothers, tema repetido a lo largo del largometraje en diversas versiones. Además aparecen otros temas muy bien insertados en la trama, como el triste que se escucha en el entierro con predominio de trompeta y órgano, que parecen anunciar sus brillantes composiciones para posteriores spaghettis como “Tu cabeza por mil dólares” o “Como lobos sedientos”.

En cuanto a los actores, el limitado Mark Damon encarna a Johnny Yuma y no me ha terminado de convencer en un personaje que me hizo añorar la capacidad para la ironía de George Hilton o, sobre todo, el cinismo de Gianni Garko. Por el contrario, Rosalba Neri, en su debut en este subgénero, está perfecta como Samantha, lástima que no tuviera por lo general más papeles a la altura de su talento. Lawrence Dobkin, típico secundario norteamericano que buscó fortuna en Europa, hace una gran composición como Linus; mientras que tanto Luigi Vannucchi en el rol de Pedro, como Fidel Gonzáles en el papel de Fidel, un personaje que protagoniza las escenas cómicas y hunde sus raíces en la literatura del Siglo de Oro en la que los siervos servían como contrapunto cómico de las historias más dramáticas protagonizadas por sus señores, están más que correctos.

En definitiva un atractivo, violento (la violencia fue marca de la casa tanto del cine de Di Leo como del de Guerrieri) y original spaghetti, situado para mí por encima de la media que, no obstante, hubiera mejorado con otro protagonista más adecuado y con un mayor presupuesto lo que hubiera dado mayor veracidad a la historia, sobre todo en relación con la ambientación.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 7
AMBIENTACIÓN: 6
DIRECCIÓN: 7
ACTORES: 6
MÚSICA: 7

MEDIA: 6,6

UN COLT POR CUATRO CIRIOS

Un colt por cuatro cirios (Mia Colt ti cerca... 4 ceri ti aspettano, La)
1971
España/Italia
Director:  Ignacio F. Iquino
Reparto: Robert Woods, Chris Huerta, Fernando Rubio, Antonio Molino Rojo, Vidal Molina, María Martín, Olga Omar, Luis Ciges, Esteban Dalmases, Ángel Lombarte, Raquel Barleycorn, July Kaplan, Irene d'Astrea, Françoise Duchamp, Carmen Gallen, Indio Gonzalez, Johnny 'El Corso', Ricardo Moyán, Francisco Márquez, Isidro Novellas, César Ojinaga, Maika Orero, Mariano Vidal Molina, Fernando de Miragaya, Giorgio Stefanelli

Guión: Antonio Ramirez, Juliana de la Fuente, Ignacio Iquino
Fotografía: Antonio L. Ballersteros Jr
Música: Enrique Escobar

Coproducción italo-española de 1971 muestra del totum revolutum en el que se convirtieron muchos spaghettis durante esta década al tomar protagonismo elementos de otros géneros fueran o no ajenos al western (comedia, terror, artes marciales, suspense). En esta ocasión nos encontramos, desde el punto de vista temático, con la típica película de gángsters enfrentados por el botín tras dar un golpe, y en ella cobran gran importancia dos nombres propios.

Por una parte Lou Carrigan, en realidad Antonio Vera Ramírez, uno de los escritores más prolíficos, junto con Marcial Lafuente Estefanía, Silver Kane (Francisco González Ledesma) y Juan Gallardo Muñoz alias Curtis Garland, de los llamados bolsilibros, novelas de género baratas de aparición periódica en los quioscos que se podían cambiar y se convirtieron en fuente, directa o indirecta, para numerosos westerns producidos, sobre todo, en España. De hecho varias novelas de Lou Carrigan, que aunque escribió sobre varios géneros, se especializó tanto en westerns como en policíacos, fueron adaptadas al cine durante esta década como es el caso, para circunscribirnos sólo al mundo del Oeste, de las ya comentadas en este blog “Veinte pasos para la muerte” (1970) de Manuel Esteba o “La diligencia de los condenados” (1970) y “Los buitres cavarán tu fosa” (1972) ambas dirigidas por Juan Bosch bajo su seudónimo de John Wood y, salvo la última, también producidas por IFISA. Pero en esta ocasión, y como señala Ángel Comas en su estudio sobre Ignacio F. Iquino, su ayudante de dirección, Alejandro Ulloa, no partió de una novela del Oeste sino que adaptó un relato policíaco escrito por Carrigan para lo que sustituyó “a los coches por caballos, las metralletas por colts y los night clubs por saloons”.

El otro nombre propio es el de Ignacio F. Iquino, uno de los hombres más inquietos y prolíficos del cine español (director, productor, guionista y lo que le echaran) que intentó trasladar a España, al igual que los hermanos Balcázar, el modelo empresarial estadounidense. Pero a diferencia de los Balcázar, aunque se apuntó al éxito de los westerns hechos en Europa y como también señala Comas, nunca tuvo verdadero interés por este género como lo demuestran tanto la calidad (solía hacer westerns baratos de consumo rápido cuyo destino era acompañar a la película principal en las sesiones dobles) como la cantidad (produjo 11 euro westerns frente a los 65 de los Balcázar) de sus productos ambientados en el far-west. Por eso no es de extrañar que se fijara en una novela de gángsteres, género por el que mostró mucho más interés, para adaptarla al Oeste; máxime teniendo en cuenta que Iquino, además, constituyó una figura clave para el nacimiento de aquél género en España con las inaugurales ”Apartado de correos 1.001” (1950) de Julio Salvador que produjo a través de su Emisora Films, una especie de ensayo de lo que sería IFISA en la que participó como socio Francisco Ariza, y “Brigada criminal” también de 1950 y dirigida y producida por el propio Iquino a través de Producciones Iquino.

SINOPSIS: La carreta que transportaba el dinero de los impuestos del estado, alrededor de 300.000 dólares, es asaltada por los hombres de Oswald, un magnate que controla la delincuencia en la zona. Farley, uno de los miembros de la banda, le traicionará y se quedará con todo el botín; pero al aparecer asesinado y sin el dinero, tanto Oswald como Garringo, el sheriff del lugar, emprenderán, por diversos motivos, la búsqueda y la caza del asesino.

La película cuenta con un comienzo trepidante y prometedor en el que se plantea el argumento de la película, así asistimos sin preámbulos al asalto del furgón, al reparto del botín en el que se muestran las primeras diferencias entre los miembros del grupo, a la traición por parte de uno de los miembros de la banda y al posterior asesinato de éste por un individuo del que, como si se tratase de un giallo, se nos oculta su identidad. Pero a partir de ese momento da la sensación de que a los guionistas, entre ellos el propio Iquino y su habitual colaboradora Juliana San José de la Fuente, se les acabaron las ideas, renunciaron a desarrollar de forma lógica la trama y convirtieron a la película en una tediosa sucesión de huidas, peleas, tiroteos, capturas, nuevas huidas, nuevas peleas etc, etc. Además la caótica y desganada dirección de Iquino tampoco ayuda mucho, y a ello hay que añadir su costumbre de rodar prácticamente una sola toma de cada escena con el objeto de abaratar costes, lo que da lugar, por falta de material, a planos mal empalmados y a montajes de escenas bastante farragosos con saltos que dificultan la comprensión del filme.

La banda sonora de Enrique Escobar, uno de los hombres de confianza de Iquino en IFISA que aparece como solía ser habitual en una escena tocando el piano, pasa totalmente desapercibida, además incluye un tema incidental un tanto pachanguero que ya escuché en “Oeste Nevada Joe” y en “Tumba para un forajido”.

En cuanto a los actores tampoco su nivel está muy por encima del resto de los elementos de la película, ofreciéndonos la mayoría unas actuaciones muy flojas debidas, en parte, a una deficiente dirección por parte de Iquino. Como protagonista nos encontramos con el estadounidense Robert Woods, un actor descubierto por los hermanos Balcázar al que ofrecieron un contrato en exclusiva a mediados de los sesenta para rodar varios westerns en España, que se muestra muy alejado de sus mejores actuaciones dando vida al sheriff Garringo (nombre que hace alusión al personaje interpretado por Anthony Steffen en la exitosa película rodada dos años antes por Rafael Romero Marchent). Junto a él, nos encontramos con rostros populares en este subgénero como Cris Huerta que da vida al violento y vengativo Oswald, el auténtico cerebro de la operación, un personaje muy diferente a los amables y cómicos que solía interpretar; Antonio Molino Rojo es Farley, el pistolero que desencadenará con el robo todo la tragedia posterior; Vidal Molina interpreta a Rogers, un perturbado sexual, rasgo que carecerá de importancia en el desarrollo de la trama, y antiguo amigo de Garringo sobre el que recaerán las sospechas del asesinato de Farley por lo que pedirá ayuda al sheriff; María Martín, estrella en los años cuarenta de la cintas de Iquino y presencia habitual en este subgénero con apariciones en las ya comentadas en este blog “Los despiadados” (1967), “Bandidos” (1967) o “Reverendo Colt” (1971), encarna de forma notable a Berta, mujer intrigante y ambiciosa casada con Farley y amante de Rogers a los que, como la típica femme fatale propia del cine negro, embaucará en el robo; y el grandísimo Luis Ciges, de lo poco salvable del largometraje, está fenomenal como Tim el enterrador, un personaje cómico que, no obstante, supone una nota disonante respecto al tono general más serio del filme.

En resumen, creo que estamos ante un flojísimo euro western, sólo recomendable para aquellos que estén interesados en la figura de Iquino, o para los fans de este subgénero con deseo de ampliar sus conocimientos sobre el mismo y que no teman ver todo tipo de películas, incluso, como es el caso, las menos logradas.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 2
AMBIENTACIÓN: 2
DIRECCIÓN: 3
ACTORES: 4
MÚSICA: 2

MEDIA: 2,6

Entrevista a Nieves Navarro

Hoy recuperemos la charla que tuvo recientemente  Juan Pablo Torrents-Faura con la gran Nieves Navarro.
Pasaros por AQUÍ para leerla.

Muere Frank Braña

Malas noticias para todos los amantes del spaghetti.
Uno de sus actores más característico, Fran Braña, nos dejó ayer.
En una nota de prensa, AISGE [Artistas Intérpretes Sociedad de Gestión] informa este lunes del fallecimiento a los 77 años de Frank Braña, y de la instalación de su capilla ardiente en el tanatorio de Collado Villalba, en Madrid.
Asiduo actor de reparto a lo largo de una larga lista de eurowestern, gracias a su físico, más cercano al norteamericano que al español de la época, Braña logró ir poco a poco subiendo de importancia en sus papeles, hasta lograr aparecer en algunos como villano principal.
Es su carrera ejemplo de tantos actores españoles que, muchas veces sin ni siquiera aparecer en los créditos, eran los que llenaban aquellos westerns de los años 60s y 70s.

Desde aquí, nos gustaría darle nuestro más sincero reconocimiento a su carrera, el pésame a toda su familia, y confirmar que nunca lo olvidaremos.

Descanse en paz.

MANO RÁPIDA

Mano Rápida (Mi chiamavano Requiescat ... ma avevano sbagliato)
1973
España/Italia
Director: Mario Bianchi
Reparto: Sergio Ciani, William Berger, Frank Braña, Fernando Bilbao, Gilberto Galimberti, Celine Bessy, Francisco Sanz, Welma Truccolo, Ettore Ribotta, Sergio Dolfin, Stefano Oppedisano, Francesco D'Adda, Aldo Cecconi, Angelo Boscariol, Filippo Perego, Rodolfo Lodi, Aldo Sisti, Duilio Olmi, Lorenzo Robledo

Guión: Vittorio Salerno, Alberto Cardone, Eduardo M. Brochero
Fotografía: Emilio Foriscot
Música: Gianni Ferrio

Tardía coproducción italo-española de 1973 dirigida por Mario Bianchi, en esta ocasión bajo el seudónimo de Frank Broston, realizador cuyos primeros pasos como director están muy relacionados con este subgénero, ya que sus cuatro primeros filmes fueron spaghettis: la curiosa “La muerte llega arrastrándose” de 1972 con la que debutó tras la cámara, la fallida y ya comentada “La máscara de cuero” de 1975 (ambos filmes además tienen en común la fuerte presencia de elementos giallescos), la desconocida para mí “Más fuerte hermanas” también de 1973 y ésta que nos ocupa, para, tras rodar varias películas de todo tipo de géneros, especializarse a mediados de la década de los ochenta en el cine para adultos con una serie de filmes protagonizados por la estrella porno Marina Hedman.

SINOPSIS: Finalizada la Guerra de Secesión partidas de ex confederados siguieron actuando sembrando el pánico en todo el territorio. Una de las más sangrientas fue la capitaneada por Machedo, un sicótico ex oficial sudista, a la que persigue sin descanso el capitán Jeff Mulligan. Capturado y torturado por Machedo, Mulligan logrará escapar e ideará un plan para vengarse.

Subproducto que muestra la decadencia de este subgénero durante la década de los setenta. Así nos encontramos con un guión, en el que participaron entre otros el también director Alberto Cardone y el español Eduardo Manzanos Brochero, que pivota sobre la venganza, tema recurrente en este género, en este caso por partida doble puesto que Machedo desea vengar la muerte de su hermano a manos de Mulligan, mientras que en la caza del sicótico bandido por parte de este último pesa mucho este sentimiento (al comienzo de la película, tras haber sufrido una emboscada, Mulligan ante la tumba de dos de sus soldados se retrata al señalar: “Lo siento muchachos, no he podido acompañaros a casa pero también os vengaré a vosotros”), sentimiento que, lógicamente, se agudizará tras ser apresado y torturado. Pero el libreto, tras un comienzo prometedor, además de acusar su falta de originalidad se revela carente de ideas, por lo que éstas son sustituidas por las típicas escenas de cabalgadas, tiroteos, peleas, persecuciones y torturas, en las que se recrea con un gusto dudoso el director, con el único objetivo de llegar a una duración estándar. Al mismo tiempo presenta situaciones escasamente lógicas (¿Para qué se queda Machedo en el banco simulando que le han robado?, ¿Por qué se dejan ver los forajidos cuando siguen a Mulligan con el objeto de que les lleve al lugar del botín?); y cuenta con unos diálogos escasos que oscilan entre la pretenciosidad y solemnidad (en la parte final del filme Mulligan le dice a una india aparecida de repente en el pueblo fantasma de Blakston Hill y con la que parece mantener algún tipo de relación en ningún momento explicada: “Sabes que he olvidado que en el mundo pueda existir el amor”), el tópico más absoluto (Machedo se pregunta “¿Quién me puede odiar? El que podía hacerlo no ha tenido tiempo”) y la ridiculez.

Esta decadencia se muestra también en la dirección escasamente inspirada por parte de Bianchi, ya que aunque en su haber hay que anotar el intento, alejado de la moda imperante de los spaghettis cómicos, de hacer un euro western serio y la atmósfera sombría que destila toda la película, su trabajo se caracteriza por la precipitación, la utilización constante del molesto y poco elegante zoom y por ciertas carencias a la hora de narrar los acontecimientos. Así, por ejemplo, como le ocurrió en el tiroteo final de “La máscara de cuero”, en la emboscada del inicio del largometraje se echa en falta un plano general que sitúe tanto a los sudistas como a los nordistas, ya que al carecer del mismo la refriega resulta bastante confusa.

No obstante lo comentado sobre el guión y la dirección, en donde se hace más evidente este declive es en el escaso presupuesto con el que se contó, lo que queda reflejado en unos decorados destrozados por el paso del tiempo, hecho que puede entenderse en el caso del pueblo de Golden City (Eduardo Manzanos Brochero además participó como productor, junto a la productora italiana New Films, a través de su compañía Copercine, Cooperativa Cinematográfica) al tratarse de un poblado fantasma, pero no respecto al fuerte del inicio en donde tiene lugar una escena bastante cutre por la falta de extras (la fortaleza es defendida por unos diez soldados) y la ciudad en donde se desarrolla parte de la acción, cuyos edificios parece que están a punto de caerse a pedazos. Igualmente ocurre con la escasa decoración de los interiores, con un vetusto y escaso mobiliario que da la sensación de haber sido comprado al primer chamarilero que encontraron.

Por lo que respecta a la banda sonora de Gianni Ferrio, ésta constituye otra decepción, no porque sea mala puesto que cuenta con un gran tema, “That man”, cantado por la habitual Ann Collin, sino porque resulta totalmente inapropiada al ser una mezcla de jazz-pop al estilo de las composiciones de la época propias de Burt Bacharah. Además esta composición se repite sin ningún tipo de intención dramática (por ejemplo se escucha durante una de las persecuciones) en distintas variaciones instrumentales, especialmente con predominio de un piano, versión que se me antojó más propia para ilustrar una escena urbana nocturna o una secuencia de un film negro desarrollada en el típico garito que para un western.

El fiasco de la película persiste con la elección del protagonista. Un soso e inexpresivo Alan Steel, en realidad Sergio Ciani. Éste era un actor italiano procedente del cine de espadas y sandalias con alguna incursión en el spaghetti como “Sansón y el tesoro de los Incas” (largometraje olvidable mezcla de aventuras y western) o la rareza turco-italiana “KüÇük kovboy”. En este filme, además de dar muestras de sus carencias interpretativas, presenta un aspecto setentero (pelo largo, patillas, amplio bigote) poco apropiado para un soldado unionista lo que resta, aún más, credibilidad a su interpretación. Menos mal que como enemigo aparece William Berger, de lo mejor de la película, dando vida estupendamente al perturbado y sádico Machedo, y en un corto papel el gran Paco Sanz, uno de esos secundarios de lujo que solían estar por encima de los largometrajes y personajes que le tocaban en suerte, en el rol de un ex soldado nordista que prestará su apoyo a Mulligan y cuya contribución se antojará fundamental en el duelo entre éste y Machedo. También es de agradecer que Frank Braña, habitual de este género y sobrio actor, cuente con un papel más largo de lo que en él era normal, mostrándose creíble como Quincy, uno de los hombres de Machedo que protagonizará la mejor pelea de la película.

En definitiva un flojísimo, oscuro y violento euro western del que sólo puedo salvar algunas actuaciones y el tiroteo final con sorpresa incluida, más cuidado que el resto de la película, en el que se luce Emilio Foriscot como director de fotografía, sobre todo en la iluminación de los interiores, y que cuenta con una atmósfera fantasmal en la que el protagonista, que parece poseer el don de la ubicuidad, se comporta como un ser de ultratumba.

PUNTUACIÓN:

HISTORIA: 4
AMBIENTACIÓN: 2
DIRECCIÓN: 4
ACTORES: 5
MÚSICA: 3

MEDIA: 3,6